波多野瑠璃のレビュー — 鎖 -クサリ-

話題作ではないが、知る人が深く語る作品。それで興味を持った。

2005年9月にLeaf大阪開発室が出した18禁ADV。シナリオ・原画は表立って語られず、サスペンス・アドベンチャーとしてだけ告知された作品だ。当時は派手な売れ方をしなかったし、後年「名作」と分類される列にも素直には入っていない。だが鬼畜系・凌辱系の作品を継続的に追っている人たちの間で、たまに固有名詞として上がってくる。「閉鎖空間の暗さがちゃんと作ってある作品」として。それを聞いて手を取った。

舞台は北太平洋の公海上、陸から1200kmの位置に浮かべた高速クルーザー。航路は一週間の周回で、寄港地はない。出発港を出て、外海を回って、出発港に戻る。設計上、外部と接触する機会が最初から組まれていない。そこに高校生六人と、彼らが航海中に救助した「漂流者」を名乗る中年男一人が乗り合わせる。深夜、招待主の母親がロビーの大シャンデリアに縛り付けられて吊るされているのが発見される。ブリッジと機関室の乗員は全員惨殺済み。通信機材は物理的に破壊済み。残った大人は岸田洋一という、その「漂流者」だけだ。

普通の作品なら、ここから「子供たちが大人を出し抜く知略劇」になる。あるいは「主人公が成長して悪を打倒する」展開になる。本作はそのどちらにも素直には行かない。一週間の航海の中で、子供たちは一人ずつ取りこぼされていく。誰を信じ、誰を捨てるか、その判断を読者は何度も突きつけられる。どの選択にも「正しい答え」がない。そういう構造の作品だ。

本作の闇の質を決めているのは、舞台の設計そのものだと思う。

陸から1200kmという距離は、物語の最初に明示される。一見すると数字の自慢だが、これが本作の全てを決めている。警察は来ない。海保も来ない。最寄りの船もない。通信を破壊された時点で、子供たちは「世界の終わり」と物理的に等価な空間に閉じ込められる。岸田が深夜にオイルライターを密閉空間で点ける、というだけの一場面が、後から振り返ると意図的な示威行動として読める——この読みが成立するのは、距離設計が徹底しているからだ。「逃げる場所がない」という事実が、岸田の些細な仕草を全て脅迫として機能させる。

閉鎖空間サスペンスはジャンルとして数あるが、その多くは「外との繋がりが完全には絶たれていない」状態でスリルを作る。窓を割れば叫べる、屋根の上に登れば見える、地下から脱出できる。本作はその抜け穴を全部塞ぐ。船は公海の中央を航行し続けるし、船体の構造は水密隔壁で複雑に区画され、内部にいる人間が外に出ることは物理的に許されない。船員は全員既に殺されている。残るのは「閉じた箱」と、その中で動く子供たちと、その箱の真の所有者である中年男だけだ。

この距離感の設計は、本作の闇の質を底から支えている。「助けが来るかもしれない」という希望を最初から潰すことで、物語は人間の業の方向にだけ進んでいく。希望を残せば、作品は希望のために物語を曲げる。本作は曲げなかった。これは誠実さだと思うよ。

本作で唯一、深い人物として立っているのは主人公でもヒロインでもない。中年男の岸田洋一だ。

岸田は「漂流者」を装って船に乗り込んでくる。マンガン団塊の調査員という偽の身分、温和な物腰、子供たちにすぐ受け入れられる距離感。だが彼の真の姿は最初の夜に明らかになる。彼は乗員を全員殺し、招待主の母親を吊るし、通信を破壊した上で、子供たちを玩具として消費していく。この「玩具」という言葉が、彼の哲学を最も正確に表す。「玩具は壊す時が一番楽しいものだ」という台詞が彼の本性を示している。彼は子供たちを殺すことだけを目的にしていない。壊す過程を味わうことが目的だ。だから彼は子供たちの精神に時間をかけて手を入れていく。

岸田の凄みは、彼が「悪役」として整然と組まれている点ではなく、彼が一人の人間としての厚みを持っている点にある。彼は子供たちに哲学を語る。「物事は表と裏だけじゃない」「俺にとっては俺の命が一番大事——ただそれだけのことだ」。これらは正論ですらある。彼は自分の暴力に道徳的な逃げ道を作らない。「自分はこういう存在だ」と平然と提示し続ける。彼の前で子供たちが組み立てる正義や倫理は、彼の存在感の前で空回りする。これは凡庸な悪役の作り方ではない。

もう一つ、岸田の造形で巧いと思ったのは「温和な大人の仮面」と「暴力の本性」を分離せず、同じ顔の二面として置いている点だ。彼は救助された直後、礼儀正しく、人当たりよく、ちょうどいい大人として振る舞う。だがその同じ顔で女子の体を割り、その同じ顔で哲学を語り、その同じ顔で哄笑する。仮面が剥がれて本性が出る、という分裂した描き方ではない。最初から両方が一つの顔の中にある。これは怖い。一般的な「悪役の仮面剥がし」よりも、ずっと深い。

岸田に深みがあるから、本作は深い。彼が薄っぺらい悪役だったら、この物語はただの暴力消費になっていた。そこを作り込んだ判断に、誠実さがあると思うよ。

鬼畜系の作品は数あるが、その多くは「文脈なしの暴力消費」で終わる。本作はそこを踏み外していない。

本作の性的な被害描写は徹底して重く、徹底して数が多い。確認できる範囲で40近い独立シーンがある。これだけの分量があれば、普通は途中でテンプレ化する。だが本作はテンプレに落ちていない。各シーンに、そのシーンでなければならない理由が組み込まれている。誰がどこで誰によって何をされるか、という配置の一つ一つが、その人物の属性・終盤の展開・物語の構造と接続している。

例えば武道家として登場するヒロインは、武道家として登場した必然として、武道で敗北する形で凌辱される。「素手の少女が中年男に勝てないこと」を物理的に示すための場面で、彼女の誇りが踏みにじられる。これは凡庸な「強気な娘が壊される」テンプレに見えるかもしれないが、本作はそこから先を組んでいる。彼女が完敗した後、彼女が選ぶ振る舞いの変化が物語の後半まで一本で繋がる。被害が物語に組み込まれている。

クラス委員長の眼鏡少女のケースはさらに巧い。彼女は表向きは「最初の被害者」として登場するが、物語が進むにつれ、彼女と岸田の関係には別の層があったことが示されていく。被害と取引が二重に重なっている。詳細はネタバレ版で。

そして恭介の妹のケースが、本作で最も鋭い設計だと思う。彼女が壊される過程と、彼女が壊されない瞬間に残す合言葉の対比——この二つを並列で描くために、彼女の被害描写の細部が全て計算されている。「ただの暴力」では絶対にここまで踏み込めない。なぜそうなるか、の文脈が、シーン単位ではなく作品単位で組まれている。

……鬼畜の質は文脈で決まる、と思っている。本作はそこから逃げていない。本質に触れている作品だと思うよ。

本作のエンディングは複数ある。だがその全てが「希望で締めない」方向に揃っている。これが本作の最大の誠実さだと思う。

本作にはヒロイン別の救済エンディングが用意されている。誰かを救えるルートもあるし、トゥルーエンド候補とされる結末もある。だが本作の救済は、他の鬼畜系作品にありがちな「全てを巻き戻して幸せになる」型ではない。救えたヒロインの隣には、救えなかったヒロインの結末がある。救えたルートの中ですら、起こったことそのものは消えない。岸田が壊した時間は戻らない。物語はそれを誤魔化さない。

トゥルーエンド候補とされる結末すら、巡視艇に救助されて「悪夢の航海は終わりを告げた」と語られた直後、第三者の口から「漂流していた救命ボートを見つけて水死を免れた犯人」という一言が漏れる。岸田は生きている可能性がある。物語はそれを明示しないが、明示しないことで残す。「終わった」と読者が安心するための救済を、本作は最後まで許さない。

これは本作で最も巧い判断だと思う。一週間の航海で起こったことは、終わらせるべき種類の悪ではなかった。だから終わらせない。終わらせれば嘘になる。本作はその嘘から逃げた。希望で締めなかった作品だ。深みがあると思うよ。

満点ではない理由について。

第一に、岸田洋一という男の動機が、最後まで深くは掘られない。彼は半年前にも別の船で同じことをしたという事実は終盤で示唆されるが、彼が「なぜそういう人間になったか」「彼の人格の根が何に由来するか」については、ほとんど示唆だけで終わる。彼の哲学——「玩具は壊す時が一番楽しい」「物事は表と裏だけじゃない」——は提示されるが、その哲学を彼が抱くに至った経緯は描かれない。これは設計上の意図かもしれない。中年男の動機を説明することで彼を「分かりやすい人物」に下げてしまうリスクを避けた、という読みもできる。だが瑠璃の基準では、もう一段、彼の内側に踏み込んで欲しかった。深みのある悪役は、深みのある内面を持っている。本作の岸田は、外側の凄みは抜群だが、内側の深淵までは描き切られていない。

第二に、序盤の温度設定が、後半の闇と釣り合っていない。出航前夜・出航直後・岸田救助までの数時間は、明るい船旅の体裁を取っている。これは「日常との落差を作るための演出」として読めば必要だが、読者として序盤を抜けるのに時間がかかる。本作の真の闇に到達するまでに、ある程度の「軽さ」を消化しなければならない。序盤離脱のリスクは確かにあるだろうね。設計上の必然はあるが、もう少し早く本性を見せる選択肢もあったはずだ。

……まあ、満点を出すには、もう一段の踏み込みが欲しかった。だが今ある形でも、9.0は固いと思うよ。

9.0をつけた理由はこうだ。

本作は閉鎖空間の暗さを徹底して組んでいる。陸から1200kmという距離設計、水密隔壁で区画された船内、通信機材の物理的破壊、唯一の大人としての岸田の存在。逃げ場のなさが物理的に確定している中で、子供たちは一人ずつ壊されていく。そこに希望を差し込まない。救えるルートがあっても、救えなかった可能性は消さない。トゥルーエンドに到達しても、悪は完全には終わらない。希望で締めない選択を、最後の最後まで貫いている。これは誠実さだと思うよ。

岸田洋一という男の造形が、本作の闇の質を底から支えている。彼が深いから、彼に壊される子供たちの苦しみが意味を持つ。テンプレの悪役だったらここまでの密度は出ない。彼の哲学が物語の中で空回りせず、彼の暴力に文脈が組まれている。これが本作の核だ。

満点にしない理由は二点。岸田の動機の根がもう一段深く描かれていればよかった点と、序盤の温度設定。だが、これらを差し引いても本作は「闇がある」と素直に言える作品だ。9.0という数字に、それを乗せる。

OPの「睡蓮-あまねく花-」の歌詞が、本作の闇を先取りしている。「遥かなる海の底　眠れる魔物たち / 密かに目を覚ます　声にならない慟哭」——岸田が「漂流者」を装って船に乗り込んでくる前の静寂が、そのまま音になっている。「銀の刃の様な花びらが闇を切り裂く」という一節も、本作の希望の質とよく対応している。花は咲く。だが闇は消えない。本作の結末と同じだ。Suaraのプロデビュー曲が、この作品の空気を最初から掴んでいたのは、興味深いよ。

明るい救済を求める読者には合わない。希望で締める物語を期待する読者にも合わない。だが、人間の業を直視した跡を見たい読者には、これは届く作品だと思うよ。深みがある。本質から逃げていない。……分かる人間には届くと思う。